Holaaa, en esta publicación hablaremos sobre una de las pinturas más conocidas del gran catálogo de Leonardo da Vinci, una obra que destaca no solamente por la belleza de su protagonista, sino también por los misterios y simbolismos que se encuentran detrás de ella. Estamos hablando de…

La Dama del Armiño de Leonardo da Vinci: historia, significado y técnica

La Dama del Armiño es una pintura realizada por Leonardo da Vinci alrededor de 1490, durante su etapa en Milán. La obra fue realizada en óleo sobre tabla y actualmente forma parte de la colección del Museo Nacional de Cracovia, donde se encuentra en el Museo Czartoryski.

El retrato representa a Cecilia Gallerani, una joven perteneciente a una familia culta y relacionada con la corte de Milán. Cecilia fue amante de Ludovico Sforza, conocido como el Moro, duque de Milán, quien habría encargado el retrato a Leonardo.

Leonardo consigue representar a Cecilia de una manera diferente a muchos retratos de su época. En lugar de mostrarla completamente de perfil, la presenta en una posición de tres cuartos, como si estuviera girando para mirar a alguien que se encuentra fuera de la pintura. Este recurso le da movimiento y hace que la figura parezca mucho más viva.

¿Quién es la mujer de La Dama del Armiño?

La mujer representada en la pintura es Cecilia Gallerani, quien nació alrededor de 1473 y murió en 1536. Además de ser conocida por su relación con Ludovico Sforza, Cecilia destacó por su educación y conocimientos humanísticos. Fuentes de la época incluso la describieron como una mujer culta y la relacionaron con figuras femeninas importantes de la Antigüedad.

Durante su relación con el duque, Cecilia tuvo un hijo con Ludovico Sforza. Posteriormente, debido al matrimonio del duque con Beatrice d'Este, Cecilia fue apartada de la corte y más tarde contrajo matrimonio con el conde Bergamino.

¿Qué significa el armiño en la pintura?

Uno de los elementos que más llama la atención es, por supuesto, el armiño que Cecilia sostiene entre sus brazos. Este animal puede tener diferentes interpretaciones. En la tradición iconográfica, el armiño era considerado un símbolo de pureza y virginidad. Sin embargo, en esta obra también puede existir una referencia directa a Ludovico Sforza.

En 1488, Ludovico recibió la Orden del Armiño por parte del rey de Nápoles y, a partir de entonces, fue asociado con el nombre Ermellino Bianco, que significa "Armiño Blanco". Por esta razón, algunos investigadores consideran que el animal podría funcionar como una alusión al propio Ludovico y a la relación que mantenía con Cecilia.

También existe un juego de palabras relacionado con el apellido de Cecilia. Su apellido, Gallerani, guarda semejanza con gale, una palabra griega asociada al armiño. De esta manera, el animal podría estar haciendo referencia tanto a Cecilia como al duque.

¿Cómo está representada Cecilia Gallerani?

En la pintura podemos observar a Cecilia con el cuerpo ligeramente girado mientras sostiene al animal entre sus brazos. Su mirada se dirige hacia un punto situado fuera de la obra, creando la sensación de que está reaccionando ante alguien.

Su vestimenta también refleja la moda de la época. Leonardo presta especial atención a los detalles de las telas, el cabello, las joyas y los diferentes elementos que forman parte del retrato.

Uno de los aspectos que puede llamar la atención es la relación entre la mano de Cecilia y su cabeza. Aunque a primera vista podría parecer una desproporción, la composición y la posición de las diferentes partes del cuerpo ayudan a crear profundidad y movimiento dentro de la obra.

¿Qué técnica utilizó Leonardo da Vinci?

Para realizar La Dama del Armiño, Leonardo utilizó óleo sobre tabla, una técnica que le permitió trabajar cuidadosamente los detalles y las transiciones de luz y sombra.

Uno de los elementos más importantes de la pintura es el uso del claroscuro. Leonardo utiliza la iluminación para destacar el rostro, el cuerpo y el pelaje del animal, mientras que el fondo oscuro ayuda a que la figura sobresalga.

También utiliza una composición en la que la figura aparece de tres cuartos. Esta decisión fue especialmente innovadora para el retrato de su época, ya que genera una mayor sensación de movimiento y presencia.

El cuidado que Leonardo pone en las tonalidades de la piel, las telas y el pelaje del armiño demuestra su interés por representar la naturaleza de una manera convincente. El Museo Nacional de Cracovia destaca precisamente el conocimiento de la anatomía y el uso de la luz como elementos fundamentales de la obra.

¿La Dama del Armiño ha sido restaurada?

Sí. La obra ha tenido diferentes intervenciones a lo largo de su historia y actualmente se considera una de las pinturas mejor conservadas de Leonardo.

Uno de los cambios importantes que ha experimentado la obra está relacionado con el fondo. El Museo Nacional de Cracovia señala que el fondo fue repintado en el siglo XIX. En la versión original, la iluminación contribuía a crear un efecto en el que la figura de Cecilia parecía surgir de un espacio en penumbra.

Además, existe un detalle histórico muy interesante relacionado con la identificación de la modelo. Aunque desde un principio se conocía la autoría de Leonardo, durante mucho tiempo no existió certeza sobre quién era la mujer representada. Fue hasta finales del siglo XIX, gracias a investigaciones y documentos históricos, cuando se pudo establecer que se trataba de Cecilia Gallerani.

¿Dónde se encuentra La Dama del Armiño?

Actualmente, La Dama del Armiño se encuentra en el Museo Czartoryski de Cracovia, Polonia, que forma parte del Museo Nacional de Cracovia.

La pintura fue adquirida alrededor de 1800 en Italia por Adam Jerzy Czartoryski, hijo de la princesa Izabela Czartoryska, y posteriormente pasó a formar parte de la colección de la familia Czartoryski. En 1809 ya se encontraba expuesta en el llamado Dom Gotycki de Puławy.

La obra también tuvo una historia complicada durante la Segunda Guerra Mundial, cuando parte de la colección Czartoryski fue saqueada por los nazis. La Dama del Armiño estuvo entre las obras que posteriormente fueron recuperadas.

Actualmente forma parte de la colección del Museo Nacional de Cracovia y se encuentra bajo su cuidado y conservación.

¿Por qué es importante La Dama del Armiño?

La Dama del Armiño es mucho más que el retrato de una joven sosteniendo un animal. Leonardo consiguió crear una imagen llena de movimiento, expresividad y simbolismo. La posición de Cecilia, su mirada, el armiño y el manejo de la luz convierten la obra en un retrato que parece capturar un instante.

Además, la pintura muestra el interés de Leonardo por estudiar la anatomía, la naturaleza, la luz y la representación de las personas. El Museo Nacional de Cracovia la considera una de las grandes obras de la pintura de retrato del siglo XV.

La Dama del Armiño de Leonardo da Vinci es una de esas obras que, aunque a primera vista puede parecer un retrato sencillo, guarda una gran cantidad de detalles y significados.

Desde la identidad de Cecilia Gallerani hasta el simbolismo del armiño, pasando por la técnica, la iluminación y la historia que ha acompañado a la pintura durante siglos, cada elemento nos permite conocer un poco más sobre la manera en que Leonardo observaba y representaba el mundo.

Y quizá eso es lo que hace tan especial a esta obra: no solamente estamos viendo el retrato de una mujer, sino un momento de la historia del Renacimiento capturado por uno de sus artistas más importantes.

En México conocemos, aunque sea un Oxxo cerca de nuestra casa, se ha convertido en una de las tiendas más relevantes en todo el país, su logo esta en todos los lugares además de ser un punto de referencia para una dirección convirtiéndolo en un icono en nuestra cultura.

Al será una tienda de conveniencia se tenía que lograr una identidad visual llamativa y que la representa, por lo que utilizaron una paleta clásica de colores rojos y blanco, los estilos se fueron cambiaron, pero nunca su paleta de color.

Su logo ha estado envuelto en varias teorías sobre su creación y el significado, algunas se refieren al signo de porcentaje y sus “ofertas”, tiempo despues se descubrió que es la figura de un carrito de supermercado, en sus inicios parecía realmente un carrito, aunque se fue modificando a través de los años. Otra teoría graciosa es su apariencia como un hotdog ya que las barras amarillas serian el pan, el centro rojo corresponde a una salchicha y las letras al aderezo.

En 1992 se hizo el rediseño el cual conocemos actualmente a cargo de Carlos Villaseñor Muzquiz, un diseñador mexicano utilizando letras mayúsculas con una tipografía redonda blanca en un fondo rojo con un marco y dos líneas naranjas que lo encierran siendo un diseño que aún conserva los anteriores, pero más actual y moderno.

Un poco de historia, la primera tienda Oxxo abrió en 1978 propiedad de FEMSA surgiendo como una alternativa para vender productos de la Cervecerias Cuauhtémoc Moctezuma fue evolucionando hasta convertiste en una tienda minorista y otorgando otros servicios al público desde sus inicios en Monterrey donde lo vio nacer. Algo que cabe resaltar de Oxxo es su adaptabilidad en los lugares que se encuentra, respetando el contexto del sitio teniendo las mismas condiciones del lugar.

Holaaa, en esta publicación hablaremos sobre algo distinto a comparación de las otras publicaciones, algo que se ha convertido en un problema o burla, una tipografía, estamos hablando sobre….

𝗘𝗟 𝗢𝗗𝗜𝗢 𝗗𝗘 𝗖𝗢𝗠𝗜𝗖 𝗦𝗔𝗡𝗦

Creada en 1994 por Vincent Connare siendo un ingeniero para Microsoft convirtiéndola en una de las fuentes más famosas en el mundo, su popularidad fue tan grande que se realizó un mini documental titulado Comic Sasn: The Man Behind the World´s  Most Contetious Font o hasta en una canción que fue compuesta por un productor canadiense Gunnarolla  hablando darle una oportunidad de usarla, algo que ni de chiste pasara.

 Seamos honestos, la mayoría de las personas hemos escuchado o hemos utilizado comic sans, una de las tipografías más odiadas por diseñadores, podemos decir que cuando te conviertes en diseñador se convierte en una regla de odiarla. Realmente es una tipografía que no la encontramos en proyectos o campañas publicitarias por el odio mediático.

Como lo hemos dicho, Vicent Connare fue su creador, siendo un joven rebelde y alumno de una escuela de Bellas Artes lo llevo a crear una de las tipografías más polémicas en la historia siendo su mayor inspiración los comics. Todo esto comenzó como un encargo para diseñar una tipografía para Microsoft Bob naciendo Comic Sans y que al final se convirtió es una de las fuentes instaladas en los Mac del 96. Vicent Connare se emocionó al ver su tipografía en varios lados que van desde letreros, logotipos etc.

Para los diseñadores no es tanto el problema por la fuente sino por su uso incorrecto y para proyectos profesionales solo por el uso dentro de una interfaz

Vicent Connare menciona que no es una obra de arte pero que es una de las mejores que cosas ha hecho en su vida que a mi parecer logro un éxito diferente, pero lo hizo. Tanto es su odio que existe un movimiento llamado Ban Comic Sans liderado por los mismos diseñadores con el fin de terminar con el mal uso de tipografías algo que a Vicent le parece gracioso.

El odio es inminente, comic san a pesar de su mala reputación es un éxito por su popularidad, pero de una manera incorrecta, pasaran los años y será una tipografía que “nadie” va a utilizar pero que seguirá presente para bien o mal.

Holaaaa, como ya se hizo costumbre tenemos nuevo PANTONE este año, conócelo en esta publicación.

PANTONE  2024

Se sabe que cada año varias personas de distintas disciplinas se reúnen para elegir el color que representara al mundo en este año, esto se viene haciendo desde hace 25 años anunciando un color que lo estaremos viendo en diferentes lugares, campañas, ropa entre otras cosas. Viva Magenta fue el color PANTONE del año pasado, un tono intenso y para este año tomaron la decisión de elegir aquello que transmita una conexión, ternura y una calidez suave.

Como ya es costumbre PANTONE ha elegido el color para este 2024 seleccionando a Peach Fuzz o Peach Fuzz 13-1023, lo describen como aterciopelado y suave como durazno que transmite un tacto humano conectado con las personas y la realidad fuera de la tecnología. “Buscamos una tonalidad que expresara nuestro deseo innato de cercanía y conexión, así que escogimos este radiante color que rebosa calidez y elegancia moderna. Es un color que despide empatía, nos arropa en un abrazo que casi podemos sentir con toda naturalidad lo juvenil con lo impercedor”, explico Leatrice Eisema, directora ejecutiva.

Peach Fuzz transmite la sensación de bondad y ternura, compartir y ser colaborativo, alude también a estar juntos con los demás o de disfrutar de un momento de quietud. PANTONE 13-1023 muestra una nueva suavidad en tono melocotón ubicado entre el rosa y el naranja, evoca ese aire de calma y porque no, para sentir, sanar y liberarse de todo. Si analizamos el color PANTONE tiende a esa necesidad de cariño, apoyo y tranquilidad despues de todo, nos hace entender sobre la importancia de la salud y cuidarse.

Sin duda alguna Peach Fuzz es un color que nos da un cierto bienestar, nos hace tener esa calma y tranquilidad que nos hace falta a todos, algunos lo relacionan con la importancia de la salud mental y el conocimiento interno, nos hace tratar de tocarlo y sentir su textura y su cercanía con la piel, esa búsqueda por el bienestar propio por encima de todo, también nos hace Y a ti, ¿qué te pareció el color de este año?

Holaaa, en esta publicación hablaremos sobre una de las obras representativas de la vida americana del siglo XX de la mano de uno de los pintores más famosos por plasmar la vida estadounidense, estamos hablando de Edward Hopper y su obra…

𝐍𝐢𝐠𝐡𝐭𝐡𝐚𝐰𝐤𝐬

Edward Hopper es el creador de esta obra en 1942 siendo un representante del modernismo mostrando el lado bonito de las ciudades, el artista se especializa en mostrar la vida estadounidense en las grandes ciudades tratando de entender la soledad que pueden percibir las personas caminando en la calle.

Hopper es uno de los artistas más famosos del siglo XX con su estilo urbanico y paisajes solitarios mostrando ese punto de equilibrio ente el hombre y la soledad, retratando a la América del siglo XX antes de su gentrificación con poca gente en pueblos pequeños. Para e, la abstracción o estilos más expresivos no era lo primordial, afirmando que la expresión de sus obras es la vida interior del creador y su visión al mundo, algo que logra en cada una de sus piezas.

𝐍𝐢𝐠𝐡𝐭𝐡𝐚𝐰𝐤𝐬 es una obra con vista de cineasta ya que la atmosfera te hace remontar a las películas o al cine de aquellos años siendo una interpretación de varias influencias como sus dibujos, la imaginación y la observación creando la obra con un toque dramático con tintes de película.

La pieza te sitúa como si estuvieras afuera de ese lugar llamado Phillies mirando, nos evoca intimidad o tranquilidad en la noche con un grupo de personas pasando un rato para descansar o solo tomar un trago. La escena se encuentra con una pared de vidrio donde existen cuatro personas, dos hombres de traje una mujer con un vestido rojo y un mesero despachándolos, a fuera del lugar ser observa un vacío, por lo que aludimos a que la escena se sitúa a altas horas de la noche. A pesar de ser un conjunto de objetos y personas, si tratamos de separar cada uno de ellos fue funcionar de manera individual.

Aunque parezca una escena sencilla para el autor todas sus obras llevan un proceso muy específico bocetando la escena y el número de personajes que aparecían, su esposa Josephine los apoyaba haciendo anotaciones a cada una de sus composiciones. 

𝐍𝐢𝐠𝐡𝐭𝐡𝐚𝐰𝐤𝐬 como otras obras icónicas ha sido utilizada por diferentes creadores con distintos propósitos que van desde una inspiración hasta una reinterpretación. La obra se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago cautivando a cada uno de los visitantes.

Holaaa, en esta publicación hablaremos de una de las pinturas más icónicas del romanticismo y que hemos visto en algún momento de nuestras vidas, este cuadro se encuentra el museo de Kunsthalle de Hamburgo Alemania, estamos hablando de…

El Caminante Sobre el Mar de Nubes

Considerada como unos de las obras más representativas del romanticismo creada en 1818 por Caspar David Friedrich, la pintura no muestra a un viajero de pie en lo alto de la montaña mirando hacia el horizonte con muchas nubes. Recordemos que la pintura del romanticismo se caracteriza por plasmar los paisajes y la fuerza de la naturaleza, uno de los mensajes del cuadro es la melancolía de algo que es más grande que nosotros. Friedrich era un pintor que, hacia paisajes, siendo un lugar donde podía plasmar sus sentimientos, algunos lo llamaban el pintor del paisaje del alma al conseguir esa conexión de emoción y representación. El paisaje que se muestra pertenece a Suiza de Sajonia, cuando Friedrich había escapado por las guerras napoleónicas, siendo su refugio las montañas y viendo el monte de Rosenberg y la atalaya de Zirkelstein.

En el cuadro podemos observar una gama fría de tonos, diversas tonalidades de azul con un toque de rosa dando una armonía a la composición, la profundidad y contraste de oscuros es notorio en las rocas.

Haciendo un análisis a la obra vemos a un hombre de espalda con un traje negro parado en una montaña apoyándose de un bastón y con su cabello volando, en el horizonte vemos montañas que salen de la densa neblina, por la postura del hombre podemos creer que ha llegado a la cúspide de una montaña observando la hermosa vista, y muchos investigadores señalan que el hombre retratado es el mismo autor, aunque para otros es solo una persona anónima.

Para muchas personas la niebla o el mar de nubes se muestra como algo sublime, grande y sin ningún límite relacionándolo como descubrir lo desconocido o algo asombroso por el hombre, además, el espectador inmediatamente se atrapa por el paisaje trayendo toda su atención a él.

La obra tiene muchas interpretaciones entre ellas es lo sublime del panorama de nubes, teniendo una conexión con su alrededor, la fortaleza y seguridad que posee el hombre, la fuerza inevitable de la naturaleza y tal vez las nubes se relacionan sobre la belleza de la naturaleza en un estado de tranquilidad. Para otros es la contraposición de la vida terrenal viendo al hombre en la montaña y la vida eterna que son las nubes y como el hombre está en medio de ambos polos. Por estas teorías deducimos que la obra tiene muchas interpretaciones dependiendo del enfoque de su análisis.

Holaaa, en esta publicación hablaremos de una de las obras más populares y controversiales en todo el mundo, su brillo es tan único que ha tenido varias críticas ante ello, estamos hablando de…

El Beso

Creada por Gustav Klimt El Beso es una de obras más conocidas por el mundo siendo un lienzo al óleo y pan en 1908, la pintura pertenece a la época el simbolismo siendo el cuadro más celebre del pintor. La obra se enfoca en la época moderna donde el concepto del erotismo comienza a nacer y ser conocido por la sociedad. La obra rescato la carrera de Klimt ya que sus obras iban en decadencia, además de recibir duras críticas a sus cuadros debido a sus desnudos siendo un acto de perversión para la sociedad.

En aspectos generales El Beso mide 1.8 m de alto por 1.8 m de largo, se observa a dos amantes en un tamaño proporcional con una lluvia de oro en un jardín con demasiadas flores  ambas personas están envueltas en túnicas de oro con formas simétricas ya sea con rectángulos blanco y negros o flores y círculos inspirándose en los mosaicos bizantinos de Italia, la hoja de oro tiene que ver con la técnica antigua hacia los santos dando un contraste con el tema del erotismo, la composición crea un marco dando una sensación que los personajes flotan, El Beso representa ese amor pasional con un simple beso además de la unión de ambos géneros despues de una prohibición del deseo sexual, la obra  se encuentra en el Museo Belvedere.

La historia de la obra comienza en 1984 siendo un encargo para la Universidad de Viena para el área de Filosofía y Medicina, sin embargo, la obra fue criticada por ser considerada pornográfica ya que se incluía desnudos en un mundo que seguía siendo conservador, además de utilizar elementos religiosos en un acto íntimos a partir de ahí, se han creado múltiples teorías sobre la pintura ya sea que la mujer se resiste o si el beso es un acto inmoral. Para algunos, los personajes que aparecen son el mismo Gustav Klimt y Emillie Floge, una diseñadora de modas y a quien le dedico algunas de sus obras

Como dato, la venta de la obra fue todo un momento ya que fue comprada por el Belvedere por 25.000 coronas, alrededor de 240.000 dólares, el precio más alto por una obra en Austria fue de 500 coronas, esperemos que Austria nunca venda la obra por el gran precio que la obtuvo.

Holaaa, en esta publicación hablaremos del PANTONE de este año siendo….

PANTONE 2023: VIVA MAGENTA

El año pasado Very Peri fue el color PANTONE elegido para representar el 2022, este 2023 reinara los colores rojizos nombrando al PATONE 2023 como Viva Magenta, PANTONE 18-1750 se describe como un tono carmesí y matizado, equilibrando los cálido de lo frio, representa vitalidad, vigor y fuerza, desciende de los tonos cálidos como el rojo expresando fuerza y poder, Viva Magenta también es un color animado que fomenta la experimentación y la autoexpresión sin ninguna regla. Para PANTONE fue importante reconocer nuestra atención a los colores naturales y lo que deriva de ello ya sean problemas ambientales o la sostenibilidad por lo que este color indica esa relación entre el mundo natural y la era digital.

Recordemos que la elección fue a cargo por una organización de diferentes profesionales de distintos campos que van desde el cine o diseño hasta la política, tomando en cuenta los hechos más actuales. La naturaleza fue el tema predominante este año, observando como hubo una mayor apreciación de la misma e incorporarlas en nuestra vida diaria, ya sea en hogares y espacios.

PANTONE lo describe como un color que alude alegría y optimismo, dando la bienvenida a todos, celebrando la vida y la rebeldía, Viva Magenta está inspirando en los rojos de la cochinilla, uno de los ingredientes naturales más utilizados siendo uno de los pigmentos más fuertes y brillantes, para la directora de ejecutiva de PANTONE Leatrice Eseman Viva Magenta nos reconecta con el material original, trayendo nuevamente las fuerzas de la naturaleza, un color que nos ayuda a prevalecer nuestra fuerza interior.

Acompañada del anuncio del PANTONE de este año se anunció de la exhibición titulada "Magentaverso", un espacio donde se descubre la relación de la inteligencia artificial y la creatividad humana, presentando visuales, y sonidos vinculadas al color.

Y a ti, ¿Te gusto el color PANTONE de este año?

Holaa, en esta publicación descubrías una de las obras más importantes de la cultura mexicana, además de conocer a un pintor que exploró el paisajismo mexicano creando escenas impactantes y es…

El Valle de México de José María Velasco

Varios pintores en México exploraron nuevas formas de expresar su arte, teniendo una mirada distinta narrando un tiempo y un suceso específicos, generalmente las pinturas de aquella época retrataban temas religiosos y espacios. Es así que uno de los pintores más importantes para el arte mexicano fue José María Velasco, cuyas obras fueron consideradas como un Monumento Artístico de la Nación, que abrieron puertas al paisajismo. Sus obras han sido más de trescientas, logrando una documentación basta sobre los paisajes de México, gracias a Velasco podemos observar lugares de hace 100 años.

Su trabajo ha inspirado a otros pintores, marcando un antes y después de la pintura en México, su influencia se relaciona al muralismo mexicano, sus obras invitan a la visión sobre la perspectiva, precisión y expresividad nunca antes vistas, además, cada una de sus obras es un recurso histórico y un vínculo con el territorio.

 Holaaa, en esta publicación hablaremos de una las pinturas mas icónico e importante para el cubismo y expresionismo y es...

La Guernica 

Fue creada por Pablo Picasso en 1937. Es una obra muy gran, de 7.7 metros de largo y 3.5 de ancho. Hecha al óleo en tonos grises. Y se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid. Como tal, fue un encargo del gobierno de España para el pabellón español de la Exposición Internación de Paris de 1937.  Se considera como una de las obras más importantes de Pablo Picasso, contiene una mezcla de elementos cubistas y expresionistas al mismo tiempo.

La obra está inspirada en el bombardeo nazitas de Guernica: un pueblo de España durante la guerra civil español. Actualmente ha sido un recordatorio del terrible año y sufrimiento de la guerra, aunque existe la teoría de que puede ser su autobiografía.

Entrando un poco en el contexto, España se encontraba en guerra, Francisco Franco lideraba una parte del ejército, él se rebeló en contra del gobierno de la Segunda República Española y dio como resultado un gran conflicto armado. Guernica era un pueblo de alrededor de 10,000 habitantes, carecían de defensa antiaérea, por lo que fue bombardeada por la Legión Cóndor de Alemania. Dejó a 127 fallecidos y a un puedo reducido a cenizas, un hecho histórico aterrador.

En el análisis de la obra, La Guernica, podemos observar varios personajes. Empezando por las mujeres en un estado de sufrimiento y dolor que ven hacia arriba como si estuvieran suplicando justica: la mujer del lado izquierdo está dolida por su hijo; la del lado derecho es otra mujer que también sufre por el fuego; la tercera mujer está en el centro; logrando una composición triangular. Otra se asoma a una ventana con una vela en dirección hacia donde se encuentra lo que parece un caballo; vemos a un caballo herido con una lanza y de su lengua sale un cuchillo hacia el toro; el toro tiene una mirada quieta, como si estuviera viendo al público. Es pertinente recordar que el toro ha sido un animal muy recurrente en las obras de Picasso.

Hay un pájaro de forma muy sutil entre el caballo y el toro, lo vemos en un estado de sufrimiento también. Hay una bombilla dentro de una forma de ojo, da la sensación de observar desde el interior todo lo ocurrido y, por último, un hombre en el suelo con los brazos abiertos y fragmentados, uno de sus brazos sostiene una espada.

La obra tiene la técnica del cubismo sintético; además, La Guernica, puede representar dos partes, así lo hizo Anthony Blunt, una donde se pude ver el interior de una casa del lado izquierdo y la parte derecha, el exterior por umbrales, el umbra es un símbolo artístico que comunica diversos espacios y mundos. La paleta de colores también nos puede dar otra interpretación: inspira desolación, tormento, derrota y el poder destructivo del fuego.

Podemos decir que la escena es bastante caótica en el buen sentido, presenta una composición que está en movimiento: huyendo y salvándose de algo; esto da a crear varias maneras de interpretaciones e incluso tal vez sí sea una autobiográfica del autor junto con los hechos de la guerra civil española, por lo que Picasso logró una escena simbólica como tal.

Holaa. En esta publicación hablaremos de una de las fusiones más populares en la actualidad que ha tenido un gran recibimiento en YouTube y es….

LO-FI

En los últimos dos años muchas personas se la pasan escuchando música del genero Lo-Fi, una banda sonora para la rutina diaria, se trata de un tipo de música tranquila que es acompañada de ilustraciones, anime y gifs. Ha servido como una manera de evitar el estrés. Lo-Fi tiene relación o influencias con el jazz, funk, electrónica o hip hop. Se usan sonidos de animales, naturaleza o de la vida cotidiana.

La palabra Lo-Fi proviene de las palabras en inglés Low Fidelity que en español se traduce como baja calidad. La música tiene fallas de edición, lo cual no es un problema, ya que consigue un efecto de nostalgia. Han surgido muchas listas de reproducción con una gran cantidad de canciones y animaciones, la mayoría son videos infinitos en Youtube y casi siempre se transmiten en directo, volviéndose una reproducción interminable. No solo ha ayudado a divulgar los trabajos de varios artistas como el canal de YouTube Lofi Girl, pues sus directos han llegado a 100 horas en directo. Otras plataformas de streaming como Spotify, Deezer o Apple Music se han sumado a la tendencia con playlists exclusivas con este tipo de música.

La música Lo-Fi nación en 1950 y tiempo después, en 1980, Lo-Fi fue utilizada por el Dj William Berger para divulgar grabaciones caseras. Como lo mencionábamos antes, tiene mucha relación con la ilustración y más si se trata del anime, ya que tiene una relación con la figura del productor japonés Nujabes que, a inicios del 2000, creó un estilo soft y nostálgico; y tuvo reconocimiento en las plataformas de Youtube y SoundCloud. Fue reconocido como el icono y fundador de este género.  La mayor representación de Lo-Fi es Study Girl, un personaje creado por Juan Pablo Machado; su inspiración surgió del estudio Ghibli: una ilustración de una chica en su cuarto con audífonos que estudia en su escritorio mientras que su gato está en la ventana. Es una ilustración bastante tierna.

Durante la pandemia, los canales que transmitían música Lo-Fi tuvieron números increíbles de visualizaciones; además, el confinamiento causó la creación de contenido musical por artistas independientes. Todo esto ha logrado que Lo-Fi sea un género muy popular.

 ¡¡¡Hola!!!

La Balsa de la Medusa

Creada por Gericault, es reconocida como insignia del movimiento romántico francés: utilizando tonos apasionados y tétricos. Gericault logró realizar una gran pintura al óleo que representa una negligencia del estado francés. La obra se encuentra en el Louvre.

La historia que hay detrás de la pintura es impresionante, pues fueron sucesos horribles de Francia. El barco fue náufrago en frente de las costas africanas, solamente un grupo pequeño de pasajeros sobrevivió gracias a una balsa que construyeron de forma inmediata. Desafortunadamente las tropas francesas los observaron, pero nunca los recogieron. El acontecimiento causó gran impacto en la época y llegó a ser un escándalo internacional, descreditando a las autoridades francesas por la negligencia e irresponsabilidad de colocar al timón de una embarcación a un personaje carente de condiciones para el ejercicio del cargo. Los sobrevivientes tuvieron que sufrir muchas situaciones, como el hambre o las enfermedades, hasta llegar a comer los restos de muchas personas que no alcanzaron a sobrevivir. Los que vivieron fueron encontrados por un carguero que los llevó a Francia.

Después de escuchar la historia y con la intención de provocar un golpe de efecto que pudiera relanzar su carrera y crearle una reputación, Gericault decidió hacer una pintura que narrara este hecho: una obra enorme de casi 5 metros de largo y más de 7 metros de ancho. La escena describe el preciso momento en que aquellas personas veían la llegada de un barco francés que nunca fue por ellos. El cuadro representa múltiples poses y expresiones, la desesperación o el entusiasmo. Gericault logró buscar y plasmar distintos tipos de angustias, exagerándolas por completo. Se dice que Gericault, antes de emprender su trabajo, hizo varias horas de investigación, entrevistando a algunos de los sobrevivientes, logrando interpretar los sentimientos de los pocos náufragos rescatados en una conmovedora obra con tonos grises, luces, sombras y amenazantes nubarrones en aguas tormentosas, como si fuera el escenario de la odisea.

Al principio, él no se basaba en criticas artísticas, sino por su contenido político, además de narrar una historia real. Sin embargo, es probable que Géricault no quisiera provocar un escándalo, simplemente forjar una reputación o hacerse famoso, llegando a ser una influencia para artistas emergentes y ser pionero del romanismo francés.

¡Hola! En esta publicación vamos a hablar sobre la historia de un color que da identidad a todo un país…

LA HISTORIA DEL ROSA MEXICANO

Sin duda alguna, México es un país caracterizado por ser policromático. Un país que, tanto en su historia como en su vida cotidiana, logra identificarse con abundantes colores, sin embargo, el color predilecto que une a los, las y les mexicanos es el rosa mexicano.

Para conocer la historia del rosa mexicano, se necesitan recordar las tradiciones y herramientas de los pueblos originarios. El color se encontraba en la vestimenta, en murales, en objetos ritualísticos y decorativos, se obtenía a través de pigmentos naturales. Uno de estos es la grana cochinilla, insecto parasitario del nopal; los aztecas le dieron el nombre de nocheztli (“sangre de tuna”). Cuando el insecto se secaba, se procedía a triturarlo para ser utilizado como colorante natural. El color que se conseguía era un rojo carmesí que al combinarse con ácidos se producían diferentes tonalidades de rojo; y cuando se combinaba con alcalinos se daban morados. El rojo obtenido de la grana cochinilla, junto con sus variedades cromáticas, dio origen a una tradición textil en la que la paleta de colores es esta misma. Los tonos fueron codiciados tanto por los pueblos autóctonos como por los españoles de la Conquista.

También, no se puede separar de la historia de este color a Ramón Valdiosera; fue un artista, historietista, escritor, cineasta y diseñador de moda. Nacido en Ozuluama, Veracruz, en el año 1918. Contó con una formación artística que expresó durante toda su vida. Como parte de su trabajo realizó viajes en los que investigó la indumentaria y arte textil de los pueblos autóctonos. Gracias a los viajes, en 1946 ideó crear una marca de moda mexicana que recuperara los aspectos destacables del arte textil.

Fue en una presentación de su colección de moda en el hotel Waldorf-Astoria en 1949 que Valdiosera respondió el cuestionamiento del interrogador sobre el uso del color bugambilia como eje cromático en su pasarela. El diseñador respondió que su decisión a utilizar este tono de rosa se debía a su extenso uso en la cultura, la tradición textil y los escenarios urbanos mexicanos. Diciendo, asimismo, que el bugambilia está presente en juguetes artesanales, trajes típicos, dulces, decoraciones y viviendas.

Convenientemente, después de la explicación de Valdiosera, el entrevistador exclamó la frase: So it is a Mexican Pink.

Han transcurrido más de 70 años desde aquel momento en el que se le nombró rosa mexicano al color. Un color que se ha vuelto un representante en la identidad nacional.

Holaa, en esta publicación conocerás el próximo color Pantone para el siguiente año... 

Pantone 2022

El 2021 fue representando por dos tonos: el Amarillo Illuminating y el Gris Ultimate Gray; que aluden a una promesa de algo alegre, sólido y amigable. Tras dos años en los que hemos aprendido a enfrentar las consecuencias y a aceptar la realidad, Pantone ha representado esa incertidumbre de lo que vendrá, pero si perder el optimismo y el poder de la creatividad como una pieza clave en la innovación, acercando el mundo virtual y digital a través del:

PANTONE® 17-3938 Very Peri

El color señala la aceptación y reivindicación que ha sufrido el mundo en estos dos años; imaginando nuevos horizontes sin perder la innovación en todos los sentidos. También, el color ilustra la unión de la vida moderna en correspondencia con las tendencias dentro del mundo digital.

Es así que Very Peri simboliza el espíritu de nuestra era global actual y de la transición que estamos viviendo. Cada vez vamos saliendo de un intenso aislamiento en el que descubrimos nuestras vidas físicas y digitales uniéndose, abriendo un mundo virtual dinámico donde exploramos y creamos nuevas posibilidades de color. Very Peri representa eso, cómo la vida moderna se fusiona con las tendencias del color en el mundo digital, manifestándose en un mundo físico o viceversa.

Al ser un tono usado en los videojuegos favoritos de la Gen Z, el color tiene sus orígenes en el mundo natural y en el del bienestar: siendo la lila, la lavanda y el “bígaro”, plantas capaces de ofrecer una sensación de calma en tiempos caóticos. 

¡¡¡Holaa!!!, en esta publicación vamos a hablar sobre una pintura muy conocida en todo el mundo y es…

La Persistencia de la Memoria

La pintura, sin duda, se ha convertido en una de las piezas más icónicas del surrealismo, creada por Salvador Dalí, inspirada por el dadaísmo que se observa en algunos relojes derretidos que representan las sensibilidades que definen este este género experimental y excéntrico, además nos encontramos con una extraña criatura durmiendo o inerte en la arena. El cuadro fue pintado cuando Dalí no quería convivir con su mujer y amigos; estando en casa comenzó a pintar y, sin darse cuenta, se comenzaba a gestar uno de los más famosos de la historia del arte.

Fue exhibida por primera vez en la galería Julien Levy en Nueva York. La pintura también fue de importancia significativa, ya que el reconocimiento de Dalí ascendió, logrando así que su pintura es en el MOMA en Nueva York.

El surrealismo es el tema principal de la obra, el surrealismo nace de la literatura y muestra una libertad creativa entre sus pintores, busca en el inconsciente aquello que huye de nuestra realidad ocasionando un arte simbólico, lleno de elementos que salen de la racionalidad y lo cotidiano, se suele desnudar a los objetos en representaciones fuera de lo común.

El análisis de la obra puede ser complejo, puesto que el surrealismo tiende a dar múltiples interpretaciones que tienen una diversidad de simbolismo, pero lo que podemos saber es que la obra utiliza la temporalidad y la memoria como tema central: observamos relojes que se derriten, hormigas que caminan sobre un relajo, el autorretrato del pintor y el paisaje.

Podemos ver que los relojes se están derritiendo, haciendo referencia a como transcurre de manera diferente, también representan una noción distorsionada de los segundos y eso puede probar la extraña forma del objeto.